martes, 14 de octubre de 2014
Reportaje realizado a los autores del "Manual de juegos y ejercicios teatrales", para Revista Picadero
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Nota sobre coproducciones realizadas, para la revista del Complejo Teatral de Buenos Aires
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Nota publicada en la revista Caras y Caretas, sobre las wikinovelas
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Nota publicada en revista Caras y Caretas, sobre Parkour
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Palunes, 13 de octubre de 2014
Nota publicada en la revista Enseñar, de Clarín
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Nota de investigación acerca de la "crisis del lenguaje", publicada en Revista CELCIT nro. 22
http://www.celcit.org.ar/publicaciones/rtc_sum.php?cod=16
INVESTIGAR EL TEATRO
UNA RECORRIDA EN TORNO
A LA CRISIS DEL LENGUAJE
Beckett, Bernhard, Pavlovsy, Pinter
Por Magdalena Millán
“Los límites de mi lenguaje significan los límites de mi mundo”
L. Wittgenstein, Tractatus 5.6
El teatro es una expresión artística que, para ser pensada y representada, utiliza especialmente la palabra y el silencio. Este trabajo se propone explorar ciertas zonas conflictivas del lenguaje verbal en algunas las piezas teatrales del irlandés Samuel Beckett, el austríaco Thomas Bernhard, el argentino Eduardo Pavlovsky, y el inglés Harold Pinter, cuatro autores teatrales del siglo XX con fuertes coincidencias estéticas, filosóficas y conceptuales.
Beckett fue quien, por razones cronológicas, ejerció mayor influencia sobre los otros autores mencionados. Tanto Bernhard, como Pavlovsky y Pinter han reconocido en algún momento ciertos elementos que los emparentan con Beckett. Este, a su vez, también ha sido influenciado por otros autores y sus pensamientos, cuya indagación nos permitirá adentrarnos en el origen de la poética beckettiana, donde la palabra aparece como uno de los conflictos principales.
La preocupación de Beckett por el lenguaje y su investigación teórico-filosófica, que comprendió las lecturas del filósofo Ludwig Wittgenstein y la crítica del lenguaje de Fritz Mauthner, se inició en sus épocas de universitario, alrededor de 1930, cuando comenzaban a aparecer sus primeros trabajos narrativos, bastante anteriores a la época de su producción dramática.
El escenario en el que surge la dramaturgia beckettiana es el de los años posteriores a la posguerra europea. Un momento histórico especialmente complejo, en donde la cultura aparecía como carente de sentido, o con un sentido imposible. “Esperando a Godot”, escrita en 1948, fue su primera obra teatral, que recién subió a escena en 1953, para luego transformarse en su pieza más emblemática.
La ausencia o imposibilidad de sentido va a dar nacimiento al “teatro del absurdo”, tendencia inspirada en ciertos textos de Jean Paul Sartre y Albert Camus que adopta para su escritura escénica Eugéne Ionesco. Según define Patrice Pavis[1], el teatro del absurdo surge con “La cantante calva” (1950), de Ionesco, y “Esperando a Godot”, de Beckett.
“Más allá de lo ilógico del diálogo o de la representación escénica, el absurdo implica a menudo una estructura dramática a-histórica y no dialéctica. El hombre es una abstracción eterna incapaz de encontrar algún punto de apoyo en su búsqueda ciega de un sentido que siempre se le escapa. Su acción pierde todo sentido (significación y dirección): la fábula de estas obras es a menudo circular, no guiada por una acción dramática, sino por una búsqueda y un juego con las palabras (...)”.
INVESTIGAR EL TEATRO
UNA RECORRIDA EN TORNO
A LA CRISIS DEL LENGUAJE
Beckett, Bernhard, Pavlovsy, Pinter
Por Magdalena Millán
“Los límites de mi lenguaje significan los límites de mi mundo”
L. Wittgenstein, Tractatus 5.6
El teatro es una expresión artística que, para ser pensada y representada, utiliza especialmente la palabra y el silencio. Este trabajo se propone explorar ciertas zonas conflictivas del lenguaje verbal en algunas las piezas teatrales del irlandés Samuel Beckett, el austríaco Thomas Bernhard, el argentino Eduardo Pavlovsky, y el inglés Harold Pinter, cuatro autores teatrales del siglo XX con fuertes coincidencias estéticas, filosóficas y conceptuales.
Beckett fue quien, por razones cronológicas, ejerció mayor influencia sobre los otros autores mencionados. Tanto Bernhard, como Pavlovsky y Pinter han reconocido en algún momento ciertos elementos que los emparentan con Beckett. Este, a su vez, también ha sido influenciado por otros autores y sus pensamientos, cuya indagación nos permitirá adentrarnos en el origen de la poética beckettiana, donde la palabra aparece como uno de los conflictos principales.
La preocupación de Beckett por el lenguaje y su investigación teórico-filosófica, que comprendió las lecturas del filósofo Ludwig Wittgenstein y la crítica del lenguaje de Fritz Mauthner, se inició en sus épocas de universitario, alrededor de 1930, cuando comenzaban a aparecer sus primeros trabajos narrativos, bastante anteriores a la época de su producción dramática.
El escenario en el que surge la dramaturgia beckettiana es el de los años posteriores a la posguerra europea. Un momento histórico especialmente complejo, en donde la cultura aparecía como carente de sentido, o con un sentido imposible. “Esperando a Godot”, escrita en 1948, fue su primera obra teatral, que recién subió a escena en 1953, para luego transformarse en su pieza más emblemática.
La ausencia o imposibilidad de sentido va a dar nacimiento al “teatro del absurdo”, tendencia inspirada en ciertos textos de Jean Paul Sartre y Albert Camus que adopta para su escritura escénica Eugéne Ionesco. Según define Patrice Pavis[1], el teatro del absurdo surge con “La cantante calva” (1950), de Ionesco, y “Esperando a Godot”, de Beckett.
“Más allá de lo ilógico del diálogo o de la representación escénica, el absurdo implica a menudo una estructura dramática a-histórica y no dialéctica. El hombre es una abstracción eterna incapaz de encontrar algún punto de apoyo en su búsqueda ciega de un sentido que siempre se le escapa. Su acción pierde todo sentido (significación y dirección): la fábula de estas obras es a menudo circular, no guiada por una acción dramática, sino por una búsqueda y un juego con las palabras (...)”.
Reportaje a José Watanabe, Revista CELCIT nro 27
http://www.celcit.org.ar/publicaciones/rtc_sum.php?cod=21
PERÚ. JOSÉ WATANABE: CUANDO NO ESCRIBO, TRABAJO
Entrevistado por Magdalena Millán
El peruano José Watanabe, poeta y guionista de cine y televisión, es considerado uno de los más importantes poetas latinoamericanos. Nació en Laredo -Trujillo (norte de Perú)- en 1946, y en 1971 publicó su primer libro "Album de familia", a los que le seguirían "El huso de la palabra", "Historia natural", "Cosas del cuerpo" y "El guardián del hielo". En el 2000 realizó la adaptación de "Antígona", de Sófocles, que este año se montará en Buenos Aires con dirección de Carlos Ianni. La revista Teatro/CELCIT se contactó vía mail con Watanabe, y aquí está el resultado de esa entrevista virtual.
-¿Cuándo comenzó su interés por el teatro?
- En los años 70, en Lima, había un memorable grupo de teatro: Histrión. Me puedo ver aún entrando a uno de sus montajes: "Marat-Sade", de Peter Weiss. Yo tenía un poco más de 20 años. Se dice que una obra así nos hace perder la inocencia y nos induce a mirar el mundo con malicia. Eso me sucedió ese día. Con el tiempo me he convencido de que la malicia es un buen método de conocimiento.
Por esa misma época leí una obra de Chejov, "El jardín de los cerezos". ¡Qué manera tan sabia de vincular lo histórico y lo individual! Chejov me enseñaba a conmoverme, incluso a solidarizarme, con las vicisitudes de una clase social decadente que se despedía de la Historia (así, con mayúsculas). Después de "El jardín de los cerezos", no se puede ser esquemático ni panfletario (en mi época había mucho de eso).
Desde entonces mantuve mi interés por el teatro, aunque nunca pensé escribir obra alguna, hasta "Antígona". Mi práctica central era la poesía, y sigue siéndolo. El teatro revela la condición humana de modo más sostenido, no porque esta condición aparezca dentro de un argumento más o menos extenso, sino porque los personajes se van mostrando lentamente, en un proceso de desnudamiento oscilante y angustioso. Mi temperamento está más cerca de la inmediatez de la poesía. Sin embargo, tengo apuntes, núcleos de argumentos que quisiera desarrollar algún día.
Nota sobre el Primer Festival de Títeres para Adultos de Buenos Aires, revista CELCIT nro. 26
http://www.celcit.org.ar/publicaciones/rtc_sum.php?cod=20
ESPECTÁCULOS EN EL CELCIT
Magdalena Millán
La puerta de la sala se cierra. En la semioscuridad, muchos de los que no pudieron alcanzar una silla, terminan de acomodarse en el suelo esperando que comience la función. Una tela blanca cubre de lado a lado la sala del teatro CELCIT, en Bolívar 825. Pronto empezarán a proyectarse poéticamente las luces, sombras, letras, figuras y colores que contribuyen a componer "Arroba Alma Chicha", uno de los seis espectáculos presentados entre el 4 y el 13 de junio en el marco del Primer Festival de Títeres para Adultos de Buenos Aires.Las seis funciones que se hicieron de las distintas obras, fueron todas a sala llena. Incluso mucha gente se quedó sin poder conseguir entradas, y los teléfonos del teatro sonaban a toda hora. Pero nadie se esperaba tanto éxito en esta primera convocatoria. Tanto la gente del teatro CELCIT como las integrantes de El Bavastel Títeres, quiénes se encargaron de la organización del evento de manera independiente, estaban a la expectativa de lo que fuera a ocurrir sin ninguna perspectiva demasiado clara. Era el primer festival que hacían. Había que ver que pasaba.
Pocos días después de finalizado el Festival, nos encontramos con una de las responsables de la organización del festival: Carolina Erlich, de El Bavastel Títeres. "Estamos felices, la verdad es que resultó mucho mejor de lo que esperábamos", comenta Carolina, con una sonrisa que confirma su alegría. "La realización de este festival significa un paso muy importante para el teatro de títeres para adultos. Porque muchas veces se encasilla al género como algo principalmente dirigido al público infantil. Pero por suerte poco a poco pareciera que esta tendencia empieza a hacerse menos general, y el éxito de este festival probablemente avale esta idea", enfatiza.
Reportaje realizado al dramaturgo y actor Juan Carlos de Petre, para el nro. 17 de la revista CELCIT
http://www.celcit.org.ar/publicaciones/rtc_sum.php?cod=13
JUAN CARLOS DE PETRE: “LO FUNDAMENTAL ES LA REVELACIÓN”
Por Magdalena Millán
Juan Carlos De Petre nació en Santa Fe, Argentina, en 1941. Es actor, director, dramaturgo y poeta. Actualmente dirige el Teatro Altosf de Venezuela, con el que desde su creación –25 años atrás- viene ejerciendo una constante actividad creadora y de enseñanza sobre su propia metodología expresiva, lo que ha llevado a este grupo a obtener un merecido prestigio nacional e internacional.
Su incursión en el teatro se dio en su Santa Fe natal, en donde como actor empezó a trabajar dentro del movimiento teatral independiente. Después de unos años de dedicarse a la actuación, De Petre comenzó a interesarse por la dirección y la escritura dramática y formó distintos grupos de trabajo.
El Grupo 67, que le debe su nombre al año de creación en tierras santafecinas, constituyó uno de los primeros pasos en la carrera de De Petre. Luego de la experiencia con esta agrupación empezaría a tomar forma la concepción creadora que tiene actualmente el Teatro Altosf, en la que los grupos tienen como premisa básica el descubrimiento de la obra a partir del material interno de los actores, y en donde la interpretación no se da a partir de un personaje preestablecido ni de un guión previamente estipulado.
En 1974 se va a Europa, en donde realiza algunas giras, hasta que se instala un tiempo en París. En 1976 intenta volver a Buenos Aires, pero el panorama que encuentra en medio de la dictadura militar es más que desolador. Casi todos los integrantes de su entorno son perseguidos o han sufrido detenciones, es así como Venezuela se transforma en su próximo destino y finalmente en su hogar, en donde reside hasta el momento junto a su familia.
Entrevista a Gustavo Ott, publicada en el nro. 17 de la revista del CELCIT
http://www.celcit.org.ar/publicaciones/rtc_sum.php?cod=13
GUSTAVO OTT: “EL ARTISTA ESTÁ AL SERVICIO DE LA GENTE”
Por Magdalena Millán
Gustavo Ott nació en Caracas hace 37 años. Allí cursó la carrera de Comunicación Social y más tarde completó sus estudios en Londres y Estados Unidos, en donde se interiorizó en la dirección teatral y realizó un postgrado en Literatura.
Luego de su graduación en periodismo estuvo trabajando para distintos medios de Venezuela, y reconoce que su llegada al teatro fue un poco por casualidad. En su época de periodista, Ott también escribía cuentos y en un momento un teatro le pidió que adaptara uno de esos cuentos. A partir de ahí, Ott encontró en la dramaturgia una forma más directa de comunicarse con la gente, de hacer que los pensamientos y sentimientos sean directamente puestos a prueba e intercambiados entre los que hacían y los que recibían teatro.
Desde 1992 dirige el Teatro San Martín de Caracas, en donde trabaja con un grupo estable de colaboradores con los que realizan las obras que luego ofrecen en la programación de las dos salas con las que cuenta el Teatro.
La mayoría de las obras que presentan en el Teatro San Martín de Caracas son de su autoría, y una particularidad de su estilo de escritura dramática tiene que ver con la presencia del humor y la ironía.
GUSTAVO OTT: “EL ARTISTA ESTÁ AL SERVICIO DE LA GENTE”
Por Magdalena Millán
Gustavo Ott nació en Caracas hace 37 años. Allí cursó la carrera de Comunicación Social y más tarde completó sus estudios en Londres y Estados Unidos, en donde se interiorizó en la dirección teatral y realizó un postgrado en Literatura.
Luego de su graduación en periodismo estuvo trabajando para distintos medios de Venezuela, y reconoce que su llegada al teatro fue un poco por casualidad. En su época de periodista, Ott también escribía cuentos y en un momento un teatro le pidió que adaptara uno de esos cuentos. A partir de ahí, Ott encontró en la dramaturgia una forma más directa de comunicarse con la gente, de hacer que los pensamientos y sentimientos sean directamente puestos a prueba e intercambiados entre los que hacían y los que recibían teatro.
Desde 1992 dirige el Teatro San Martín de Caracas, en donde trabaja con un grupo estable de colaboradores con los que realizan las obras que luego ofrecen en la programación de las dos salas con las que cuenta el Teatro.
La mayoría de las obras que presentan en el Teatro San Martín de Caracas son de su autoría, y una particularidad de su estilo de escritura dramática tiene que ver con la presencia del humor y la ironía.
Entrevista a Juan Carlos Gené, publicada en el nro. 15 de la revista del CELCIT
http://www.celcit.org.ar/publicaciones/rtc_sum.php?cod=12
ESTRENOS EN EL CELCIT
Sumario
El sueño y la vigilia
Siempre se ama aquello en lo que se cree
entrevista de Magdalena Millán a Juan Carlos Gené
Con El sueño y la vigilia, que se está presentando actualmente en la Sala Carlos Carella, y que ha tenido muy buena recepción de la crítica, resurge en el actor, director y dramaturgo Juan Carlos Gené la escritura dramática, ausente desde finales de 1993.
En esta nueva obra, que gira alrededor de la relación amorosa entre un viejo actor y una ex vedette que pasan sus días en un asilo, se reconocen la calidad y los valores dramáticos que caracterizan a este autor.
ESTRENOS EN EL CELCIT
Sumario
El sueño y la vigilia
Siempre se ama aquello en lo que se cree
entrevista de Magdalena Millán a Juan Carlos Gené
Con El sueño y la vigilia, que se está presentando actualmente en la Sala Carlos Carella, y que ha tenido muy buena recepción de la crítica, resurge en el actor, director y dramaturgo Juan Carlos Gené la escritura dramática, ausente desde finales de 1993.
En esta nueva obra, que gira alrededor de la relación amorosa entre un viejo actor y una ex vedette que pasan sus días en un asilo, se reconocen la calidad y los valores dramáticos que caracterizan a este autor.
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